Les esthétiques documentaires allemandes racontent à elles seules une histoire du pays. L’intrication entre beauté plastique et glorification du pouvoir est, par exemple, au cœur du cinéma de propagande de Leni Riefenstahl pendant le Troisième Reich. Après-guerre, les films de Jürgen Böttcher et d’autres viennent, en République démocratique allemande (RDA), scruter la réalité sociale du pays et bousculer les représentations du socialisme. À l’Ouest, Alexander Kluge, Werner Herzog ou encore Wim Wenders refusent, à partir des années soixante, l’apolitisme du cinéma national. Ils s’évadent littéralement vers d’autres espaces, ouvrant à nouveau l’Allemagne sur le monde. À leur suite, Helga Reidemeister brosse le portrait sensible de vies souvent malmenées, dessinant le versant intime d’une histoire allemande toujours en (re)construction.

Simultanément, d’un bout du vingtième siècle à l’autre, des expérimentateurs comme Walter Ruttmann ou Harun Farocki réfléchissent aux pouvoirs des films sur les représentations du réel.

Balises, à son tour, tire le portrait de ces documentaristes.

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Notre sélection

Walter Ruttmann

Walter Ruttmann est né à Francfort en 1887. Après des études d’architecture, il se tourne vers la peinture puis devient cinéaste et réalise en 1921 son premier film, Opus I. Ce court métrage d’animation et premier film expérimental s’inscrit dans le mouvement du Cinéma absolu, proche des autres mouvements artistiques d’avant-garde du 20^e siècle, dont Ruttmann est le fer de lance aux côtés de Francis Picabia, Fernand Léger, Marcel Duchamp, Man Ray ou encore Dziga Vertov. Suivront jusqu’en 1925 trois autres films abstraits, Lichtspiel Opus II, Ruttmann Opus III et Ruttmann Opus IV.

En 1927, Walter Ruttmann signe un film documentaire de 65 minutes : Berlin, symphonie d’une grande ville, une suite d’impressions visuelles inspirée de Dziga Vertov. Cet hommage rythmé à la métropole allemande, représentée comme une machine frénétique en mouvement du matin au soir, constitue un modèle de symphonie urbaine qui le rend célèbre. Par la suite, Walter Ruttmann tourne des films publicitaires et institutionnels et participe, aux côtés de Leni Riefenstahl, à la réalisation d’œuvres de propagande sous le régime nazi. Il meurt des suites d’une opération en 1941.

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Leni Riefenstahl

Leni Riefenstahl naît en 1902. Elle est d’abord danseuse, puis devient une actrice populaire, avant de commencer une carrière de réalisatrice et productrice. En 1933, elle est choisie par Adolf Hitler pour filmer les rassemblements du parti nazi. Elle se lance alors dans la réalisation de documentaires de propagande : La Victoire de la foi, qui montre le Congrès du parti nazi en 1933, et Le Triomphe de la volonté, qui suit celui de 1934. Ce film rassemble une équipe de plus de cent personnes. Par un choix minutieux de décors, d’éclairages et de cadrages, Le Triomphe de la volonté célèbre avec une grande efficacité l’arrivée au pouvoir des nazis et, en particulier, de leur leader.

En 1936, Leni Riefenstahl réalise Les Dieux du stade pendant les Jeux olympiques de Berlin, déployant une machinerie inédite, de nombreuses techniques de prise de vue et rassemblant une équipe de trois cents personnes dont quarante cadreurs. Ce documentaire célèbre les corps et les performances des athlètes (notamment du sportif noir américain Jesse Owens) et pose les bases de la manière de filmer les compétitions sportives.

Mise à l’écart du milieu cinématographique, mais relativement peu inquiétée pendant la dénazification, Leni Riefenstahl devient photographe et meurt en 2003, à 101 ans.

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Jürgen Böttcher

Né en 1931, Jürgen Böttcher étudie la peinture à l’Académie des beaux-arts de Dresde de 1949 à 1953, puis la réalisation de 1955 à 1960 à l’Académie de cinéma et de télévision de Potsdam aux studios de Babelsberg. Il travaille comme réalisateur jusqu’en 1991 au DEFA-Dokumentarfilmstudio à Berlin-Est.

Ses premiers films, qui accompagnent des travailleurs dans leur vie quotidienne sans parti-pris idéologique, sont censurés. Jörgen Böttcher s’inspire de son approche de la peinture pour filmer de manière plastique des personnages au travail, que ce soit dans un haut fourneau (Les Constructeurs des hauts fourneaux, 1962), une blanchisserie (Lavandières, 1972), une gare (Les Aiguilleurs, 1984) ou une cantine (La Cuisine, 1987). En 1989, il filme la joie et le vertige qu’inspire aux habitants de Berlin-Est la chute du Mur. À la parole, il préfère filmer les gestes et les espaces, accompagnés d’ambiances sonores qui forment à elles seules un récit.

 

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Alexander Kluge

Après des études de droit, Alexander Kluge (né en 1932) devient l’assistant-réalisateur de Fritz Lang sur le film Le Tombeau hindou (1959) avant de réaliser œuvres de fiction et documentaires dans les années soixante et soixante-dix. Son œuvre, profondément ancrée dans l’histoire de l’Allemagne, se confronte au nazisme et à la quête d’une identité allemande, deux sujets alors tabous.

Alors qu’en France émerge la Nouvelle Vague, il signe en 1962, aux côtés d’autres cinéastes de sa génération (Wim Wenders, Werner Herzog, Rainer Fassbinder…), le Manifeste d’Oberhausen proclamant la naissance d’un nouveau cinéma allemand. Son film de fiction Anita G (1966) en est l’œuvre emblématique tant sur le plan formel, où il expérimente des procédés techniques, que sur le fond, dans sa critique de la société allemande contemporaine. Cinéaste engagé politiquement et socialement, c’est tout naturellement qu’il signe en 2008 une adaptation du Capital de Karl Marx.

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Helga Reidemeister

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Werner Herzog

Werner Herzog est né en 1942 et commence sa carrière de cinéaste au milieu des années soixante. Son œuvre, qui compte plus de soixante films, oscille entre fiction et documentaire, entre longs et courts métrages, et révèle sa volonté de briser les frontières entre les genres. Autodidacte, il fait partie lui aussi du groupe des signataires du Manifeste d’Oberhausen pour un nouveau cinéma allemand. En 1972, il obtient une reconnaissance internationale avec Aguirre, la colère de Dieu.

Dans ses fictions comme dans ses documentaires, Werner Herzog explore la part sombre des humains et l’inhospitalité de la nature. Cinéaste réputé pour ses conditions de tournage extrêmes, il n’hésite pas à partir aux quatre coins du monde et réalise des documentaires en haut des montagnes (Gasherbrum, la montagne lumineuse, 1985), sur des volcans (La Soufrière, 1977, Au fin fond de la fournaise, 2016), au fond des grottes (La Grotte des rêves perdus, 2010). En 2005, il tourne Grizzly Man à partir des images filmées par l’aventurier Timothy Treadwell, dévoré par un ours.

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Harun Farocki

Harun Farocki est né en 1944 dans une partie de la Tchécoslovaquie alors annexée par l’Allemagne. À la fin des années soixante, il étudie pendant deux ans à la Deutsche Film- und Fernsehakademie Berlin (DFFB), école de cinéma privée qui vient d’ouvrir à Berlin-Ouest. Puis, il reste habiter en Allemagne. Entre 1974 et 1984, il édite la revue Filmkritik, au sein de laquelle il commence à développer une ample réflexion théorique sur l’image. Simultanément, il tourne ses premiers films.

Au fil de plus d’une centaine d’œuvres, Harun Farocki explore la fiction, le documentaire, l’essai, l’art vidéo, l’installation… Il y mène une intense réflexion politique sur le travail, la guerre, l’économie, mais aussi la fabrication et le traitement des images, en particulier dans un contexte médiatique et opérationnel.

Des rétrospectives de ses films ont eu lieu dans de grands musées européens, et lui-même a été professeur à l’Université de Californie à Berkeley de 1993 à 1999. Harun Farocki est décédé en 2014.

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Wim Wenders

Né en 1945, grand cinéphile, Wim Wenders fréquente assidûment les cinémathèques avant de devenir critique de cinéma puis cinéaste. Après avoir réalisé son film d’étude et quelques courts métrages, il rejoint le groupe des signataires du Manifeste d’Oberhausen dans les années soixante-dix et participe activement à l’émergence du nouveau cinéma allemand. Sa carrière de réalisateur compte une dizaine de longs métrages documentaires et une vingtaine de fictions.

Ses documentaires l’emmènent à Tokyo sur les traces du réalisateur japonais Yasujirō Ozu (Tokyo-Ga, 1985), à Cuba pour filmer le désormais célèbre groupe de musiciens du Buena Vista Social Club (1999), aux États-Unis sur les traces des grand·e·s blues·wo·men (The Soul of a Man, 2003), ou encore au Brésil avec le photographe Juliano Ribeiro Salgado (Le Sel de la Terre, 2014). Ouvrant des fenêtres sur le monde, Wim Wenders cherche aussi à capter, par le biais du cinéma, ce qui fait l’essence des autres arts, qu’il s’agisse de la musique, de la photographie, ou encore de la danse (Pina, 2011).

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Thomas Heise

Né en 1955 à Berlin, Thomas Heise envisage une carrière d’imprimeur avant de se tourner vers le théâtre, puis vers le cinéma. En 1975, il intègre les studios de la DEFA à Berlin-Est en tant qu’assistant-réalisateur, puis il suit des études de réalisation à l’université Konrad Wolf de Potsdam Babelsberg. En 1980, son premier film, À quoi bon faire un film sur ces gens-là ?, est interdit, car Thomas Heise y suit sans jugement ni idéologie le parcours de petits délinquants berlinois. Le réalisateur arrête alors ses études et devient écrivain, réalisateur et metteur en scène pour le théâtre et la radio.

Tous ses premiers documentaires sont censurés, à l’image de Mairie, Berlin, 1984, tourné sans autorisation au Conseil municipal de l’arrondissement Berlin-Centre sur l’Alexanderplatz, ou de Volkspolizei/1985, tourné dans une caserne de police du district de Mitte. Ses films n’obtiennent une reconnaissance qu’à partir des années quatre-vingt-dix. Thomas Heise va à la rencontre de ceux qui ont construit une ville, de jeunes néonazis, d’adolescents berlinois, d’employés d’un crématorium ou encore de sa propre famille, pour examiner les rouages de la société allemande moderne et montrer les fantômes de la RDA.

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